Pierwszymi znanymi instrumentami muzycznymi były kościane flety znalezione 35 000 lat temu, chociaż człowiek mógł śpiewać dużo wcześniej. Z biegiem czasu rozwinęło się zrozumienie, w jaki sposób powstają i organizowane są dźwięki muzyczne. Chociaż nie musisz wiedzieć wszystkiego o skalach muzycznych, rytmach, melodiach i harmoniach, aby tworzyć muzykę, zrozumienie niektórych pojęć pomoże ci docenić i tworzyć lepszą muzykę.
Kroki
Część 1 z 4: Dźwięki, nuty i skale
Krok 1. Zrozum różnicę między „wymiarem” a „nutą
” Terminy te opisują właściwości dźwięków muzycznych. Chociaż terminy są powiązane, są używane nieco inaczej.
- „Wysokość” odnosi się do odczucia niskiego lub wysokiego związanego z częstotliwością danego dźwięku. Im wyższa częstotliwość, tym wyższy ton. Różnica częstotliwości między dowolnymi dwoma tonami nazywana jest „interwałem”.
- „Uwaga” odnosi się do nazwanego zakresu dźwięków. Standardowa częstotliwość dla A powyżej środkowego C wynosi 440 Hz, ale niektóre orkiestry używają nieco innego standardu, takiego jak 443 Hz, aby uzyskać jaśniejszy dźwięk.
- Większość ludzi potrafi określić, czy dana nuta brzmi dobrze, gdy gra się ją z inną nutą, czy w części serii nut w utworze muzycznym, który rozpoznają. Nazywa się to „dźwiękiem względnym”. Niewiele osób posiada „dźwięk absolutny” lub „dźwięk doskonały”, czyli zdolność do zidentyfikowania danej wysokości bez słyszenia tonacji referencyjnej.
Krok 2. Zrozum różnicę między „barwą” a „tonem”
” Te terminy dźwiękowe są zwykle używane w odniesieniu do instrumentów muzycznych.
- „Timbre” odnosi się do kombinacji tonacji podstawowej (podstawowej) i drugorzędnej (alikwoty), która brzmi, gdy instrument muzyczny gra nutę. Kiedy szarpiesz strunę dolnego E na gitarze akustycznej, w rzeczywistości słyszysz nie tylko dźwięk dolnego E, ale także dodatkowe tony o częstotliwościach, które są wielokrotnościami częstotliwości dolnego E. Kombinacja tych dźwięków, które są również zbiorczo nazywane „harmonicznymi”, sprawia, że jeden instrument brzmi inaczej niż inny rodzaj instrumentu.
- „Ton” to nieco bardziej mglisty termin. Odnosi się do efektu, jaki na ucho słuchacza wywiera kombinacja harmonicznych podstawowych i wtórnych. Dodanie większej ilości wysokich harmonicznych do barwy nuty daje jaśniejszy lub ostrzejszy ton, podczas gdy tłumienie ich daje bardziej łagodny ton.
- „Ton” odnosi się również do przerwy między dwoma wysokościami, zwanej również całym krokiem. Połowa tego interwału nazywana jest „półtonem” lub półkrokiem.
Krok 3. Przypisz nazwy do notatek
Nuty można nazywać na kilka sposobów. W większości krajów zachodnich powszechnie stosuje się dwie metody.
- Nazwy literowe: Nuty niektórych częstotliwości otrzymują nazwy literowe. W krajach anglojęzycznych i niderlandzkojęzycznych litery biegną od A do G. Jednak w krajach niemieckojęzycznych „B” jest używany dla nuty B (czarny klawisz fortepianu między klawiszami A i B), a „H” służy do reprezentowania naturalnej nuty B (biały klawisz B na pianinie).
- Solfeggio (zwany również „solfege” lub „solfeo”): Ten system, znany fanom „Dźwięków muzyki”, przypisuje nutom jednosylabowe nazwy zgodnie z ich kolejnymi pozycjami w skali. Oryginalny system opracowany przez XI-wiecznego mnicha Guido d’Arezzo używał „ut, re, mi, fa, sol, la, si”, zaczerpniętych z pierwszych słów wersów śpiewu do św. Jana Chrzciciela. Z biegiem czasu „ut” zostało zastąpione przez „do”, podczas gdy niektórzy skracają „sol” do „so” i śpiewają „ti” zamiast „si”. (Niektóre części świata używają nazw solfeggio tak, jak świat zachodni używa nazw literowych.)
Krok 4. Uporządkuj serię notatek w skali
Skala to seria następujących po sobie odstępów między tonami, tak że najwyższy ton ma dwukrotnie większą częstotliwość niż najniższy ton. Ten zakres nazywa się oktawą. Oto niektóre z popularnych skal:
- Pełna skala chromatyczna wykorzystuje 12 interwałów połówkowych. Granie oktawy na pianinie od środkowego C do C powyżej środkowego C, wybrzmiewanie wszystkich białych i czarnych klawiszy pomiędzy nimi, daje skalę chromatyczną. Inne skale są bardziej restrykcyjnymi formami tej skali.
- Skala durowa wykorzystuje siedem interwałów: pierwszy i drugi to całe kroki; trzeci to pół kroku; czwarty, piąty i szósty to całe kroki; a siódmy to pół kroku. Granie oktawy na pianinie od środkowego C do C powyżej, brzmiące tylko białymi klawiszami, jest przykładem skali durowej.
- Skala molowa również wykorzystuje siedem interwałów. Najpopularniejszą formą jest skala molowa naturalna. Jego pierwszy interwał to cały krok, ale drugi to pół kroku, trzeci i czwarty to całe kroki, piąty to pół kroku, a szósty i siódmy to całe kroki. Granie oktawy na fortepianie od A poniżej środkowego C do A powyżej środkowego C, brzmiące tylko białymi klawiszami, jest przykładem naturalnej skali molowej.
- Skala pentatoniczna wykorzystuje pięć interwałów. Pierwszy interwał to cały krok, następny to trzy półkroki, trzeci i czwarty to cały krok, a piąty to trzy półkroki. (W tonacji C oznacza to, że używane nuty to C, D, F, G, A i C ponownie).. Skale pentatoniczne są używane w muzyce afrykańskiej, wschodnioazjatyckiej i rdzennych Amerykanów, a także w muzyce ludowej.
- Skale durowe są bardziej podnoszące na duchu i radosne, podczas gdy skale molowe mają ciemniejszy, bardziej poważny ton.
- Najniższa nuta w skali nazywana jest „kluczem”. Zazwyczaj piosenki są pisane w taki sposób, że ostatnia nuta piosenki jest nutą kluczową; pieśń napisana w tonacji C prawie zawsze kończy się na nucie C. Nazwa klawisza zazwyczaj zawiera również informację, czy piosenka jest grana w skali durowej czy molowej; kiedy skala nie jest nazwana, rozumie się, że jest to skala durowa.
Krok 5. Użyj krzyżyków i bemoli, aby podnieść i obniżyć wysokość nut
Krzyżyki i bemola podnoszą i obniżają tony nut o pół kroku. Są one niezbędne podczas gry w tonacjach innych niż C-dur lub A-moll, aby zachować prawidłowe układy interwałowe dla gam durowych i molowych. Krzyżyki i bemolasy są oznaczone w pisanych liniach muzycznych symbolami zwanymi znakami chromatycznymi.
- Ostry symbol, przypominający hashtag (#), umieszczony przed nutą podnosi jej wysokość o pół kroku. W tonacjach G-dur i e-moll F jest podniesione o pół kroku, aby uzyskać fis.
- Płaski symbol, przypominający spiczastą małą literę „b”, umieszczony przed nutą obniża jej wysokość o pół kroku. W tonacjach F-dur i d-moll B jest obniżone o pół kroku do B-dur.
- Dla wygody nuty, które zawsze muszą być wyostrzone lub spłaszczone w danej tonacji, są wskazane na początku każdej linii w pięciolinii muzycznej w tonacji. Znaki chromatyczne muszą być wtedy używane tylko do nut poza tonacją durową lub molową, w której jest napisany utwór. Kiedy znaki chromatyczne są używane w ten sposób, mają zastosowanie tylko do wystąpień tej nuty przed pionową linią oddzielającą takty.
- Symbol naturalny, który wygląda jak pionowy równoległobok z pionową linią rozciągającą się w górę i w dół od dwóch jego wierzchołków, jest używany przed każdą nutą, która w innym przypadku byłaby wyostrzona lub spłaszczona, aby pokazać, że nie powinna znajdować się w tym miejscu w piosence. Naturalne nigdy nie pojawiają się w tonacjach, ale naturalne mogą anulować efekt krzyżyka lub bemolu użytego w takcie.
Część 2 z 4: Bity i rytmy
Krok 1. Zrozum różnicę między „beat”, „rytm” i „tempo”
” Te terminy są również ściśle powiązane.
- „Beat” odnosi się do indywidualnego pulsu muzyki. Takt może być wybrzmiewaną nutą lub okresem ciszy zwanym odpoczynkiem. Metodę można również podzielić na wiele nut lub przypisać wiele miar do pojedynczej nuty lub pauzy.
- „Rytm” odnosi się do serii uderzeń lub impulsów. Rytm jest określany przez to, jak ułożone są nuty i pauzy w utworze.
- „Tempo” odnosi się do tego, jak szybko lub wolno odtwarzany jest utwór. Im szybsze tempo, tym więcej uderzeń jest granych na minutę. „The Blue Danube Waltz” ma wolne tempo, podczas gdy „The Stars and Stripes Forever” ma szybsze tempo.
Krok 2. Grupuj uderzenia w takty
Miary to grupy uderzeń. Każdy takt ma taką samą liczbę miar. Liczba uderzeń w każdym takcie jest podana w muzyce pisanej z metrum, które wygląda jak ułamek bez linii oddzielającej licznik i mianownik.
- Górna liczba wskazuje liczbę uderzeń na takt. Ta liczba to zwykle 2, 3 lub 4, ale może wynosić nawet 6 lub więcej.
- Dolna liczba wskazuje, jaki rodzaj nuty ma pełne uderzenie. Gdy najniższa liczba to 4, ćwierćnuta (wygląda jak wypełniony owal z dołączoną do niego linią) otrzymuje pełny rytm. Gdy najniższa liczba to 2, półnuta (wygląda jak otwarty owal z dołączoną do niego linią) zyskuje pełne uderzenie. Gdy dolna liczba to 8, ósemka (wygląda jak ćwierćnuta z dołączoną flagą) otrzymuje pełny rytm.
Krok 3. Poszukaj zestresowanego rytmu
Rytmy są określane w zależności od tego, które bity w takcie są akcentowane (zaakcentowane), a które nie są (nieakcentowane).
- W większości utworów akcentowany jest pierwszy takt lub takt. Pozostałe takty lub przedtakty nie są akcentowane, chociaż w takcie czterech miar trzecia miara może być akcentowana, ale w mniejszym stopniu niż przedtakt. Dudnienia ze stresem są również czasami nazywane dudnieniami silnymi, podczas gdy dudnienia nieakcentowane są czasami nazywane dudnieniami słabymi.
- Niektóre utwory muzyczne akcentują rytmy inne niż downbeat. Ten rodzaj akcentowania jest znany jako synkopowanie, a tak zaakcentowane uderzenia nazywane są uderzeniami wstecznymi.
Część 3 z 4: Melodia, harmonia i akordy
Krok 1. Zdefiniuj piosenkę z jej melodią
„Melodia” to ciąg nut, które osoba słuchająca identyfikuje jako spójną piosenkę, opartą na wysokościach nut i rytmie, z jakim są odtwarzane.
- Melodie składają się z fraz, które są grupami taktów. Frazy te mogą się powtarzać w całej melodii, jak w kolędzie „Deck the Halls”, gdzie w pierwszym i drugim wierszu zastosowano tę samą sekwencję taktów.
- Powszechną strukturą melodyczną pieśni jest jedna melodia na wers, a powiązana melodia służy jako refren lub refren.
Krok 2. Towarzysz melodii harmonią
„Harmonia” to granie nut poza melodią w celu wzmocnienia lub kontrastu jej dźwięku. Jak zauważono wcześniej, wiele instrumentów strunowych faktycznie generuje wiele tonów po szarpnięciu; alikwoty, które brzmią wraz z tonem podstawowym, są formą harmonii. Harmonię można osiągnąć za pomocą fraz muzycznych lub akordów.
- Harmonie wzmacniające brzmienie melodii nazywane są „spółgłoskami”. Alikwoty, które brzmią wraz z tonem podstawowym, gdy struna gitary jest szarpana, są formą harmonii spółgłosek.
- Harmonie kontrastujące z melodią nazywane są „dysonansowymi”. Dysonansowe harmonie można stworzyć, grając jednocześnie kilka kontrastujących melodii, na przykład podczas śpiewania „Row Row Row Your Boat” w rundzie, w której każda grupa zaczyna śpiewać w innym czasie.
- Wiele piosenek używa dysonansu jako sposobu na wyrażenie niespokojnych uczuć i stopniowej pracy w kierunku harmonii spółgłosek. W powyższym przykładzie rundy „Row Row Row Your Boat” powyżej, gdy każda grupa kończy śpiewać swój werset po raz ostatni, piosenka staje się spokojniejsza, aż ostatnia grupa śpiewa „Life is but a dream”.
Krok 3. Ułóż notatki, aby utworzyć akordy
Akord powstaje, gdy zabrzmią trzy lub więcej nut, zwykle w tym samym czasie, ale nie zawsze.
- Najpopularniejszymi akordami są triady (trzy nuty), w których każda następna nuta jest o dwie nuty w górę od poprzedniej. W akordzie C-dur nuty to C (pryma akordu), E (tercja wielka) i G (piąta). W akordzie C-moll E zastępuje się es (mała tercja).
- Innym powszechnie używanym akordem jest akord septymowy, w którym do triady dodaje się czwartą nutę, siódmą nutę w górę od prymy. Akord C-dur septymowy dodaje nutę B do triady C-E-G, tworząc sekwencję C-E-G-B. Akordy septymowe są bardziej dysonansowe niż triady.
- Możliwe jest użycie innego akordu dla każdej nuty w piosence; tak powstaje harmonia kwartetu fryzjerskiego. Częściej jednak akordy są sparowane z nutami znajdującymi się w akordzie, takimi jak granie akordu C-dur, który towarzyszy nucie E w melodii.
- Wiele utworów jest granych tylko trzema akordami, których prymy to pierwsza, czwarta i piąta nuta w skali. Te akordy są reprezentowane przez cyfry rzymskie I, IV i V. W tonacji C-dur te akordy będą C-dur, F-dur i G-dur. Często akord septymowy jest zastępowany akordem V-dur lub molowym, tak więc grając w C-dur, akord V byłby septymą G-dur.
- Akordy I, IV i V są powiązane między klawiszami. Podczas gdy akord F-dur jest akordem IV w tonacji C-dur, akord C-dur jest akordem V w tonacji F-dur. Akord G-dur to akord V w tonacji C-dur, ale akord C-dur to akord IV w tonacji G-dur. Ta zależność przechodzi przez pozostałe akordy i może być odwzorowana jako diagram zwany kołem kwintowym.
Część 4 z 4: Rodzaje instrumentów muzycznych
Krok 1. Uderz lub zeskrob instrument perkusyjny, aby tworzyć z nim muzykę
Instrumenty perkusyjne są uważane za jedną z najstarszych form instrumentów muzycznych. Większość z nich służy do tworzenia i utrzymywania rytmu, chociaż niektórzy potrafią grać melodię lub tworzyć harmonie.
- Instrumenty perkusyjne, które wytwarzają dźwięk wibrując całym swoim ciałem, nazywane są idiofonami. Należą do nich instrumenty uderzane razem, takie jak talerze i kastaniety, oraz te, w które uderza coś innego, takie jak stalowe bębny, trójkąty i ksylofony.
- Instrumenty perkusyjne z „skórą” lub „głową”, która wibruje po uderzeniu, nazywa się membranofonami. Należą do nich bębny, takie jak kotły, tom-tom i bongo, a także instrumenty, które przyczepiają sznurek lub przyklejają się do membrany, która wibruje ją po pociągnięciu lub potarciu, na przykład ryk lwa lub cuica.
Krok 2. Dmuchnij w instrument dęty drewniany, aby tworzyć z nim muzykę
Instrumenty dęte drewniane wytwarzają dźwięk wibrując podczas dmuchania. Większość z nich zawiera otwory tonowe, aby zmienić wysokość wytwarzanego dźwięku, dzięki czemu nadają się do grania melodii i harmonii. Instrumenty dęte drewniane dzielą się na dwa rodzaje: flety, które wytwarzają dźwięk wprawiając w drgania cały korpus instrumentu, oraz piszczałki stroikowe, które wibrują materiał umieszczony wewnątrz instrumentu. Są one dalej podzielone na dwa podtypy.
- Otwarte flety wytwarzają dźwięk, rozdzielając strumień powietrza wydmuchiwany przez krawędź instrumentu. Flety koncertowe i panpipe to rodzaje fletu otwartego.
- Zamknięte flety kierują powietrze przez kanał w instrumencie, aby je rozdzielić i wprawić instrument w wibracje. Flet prosty i piszczałki organowe to rodzaje fletu zamkniętego.
- Instrumenty jednostroikowe umieszczają stroik w ustniku instrumentu. Po wdmuchnięciu stroik wibruje powietrze wewnątrz instrumentu, aby wytworzyć dźwięk. Klarnety i saksofony to przykłady instrumentów jednostroikowych. (Chociaż korpus saksofonu jest wykonany z mosiądzu, jest on uważany za instrument dęty drewniany, ponieważ używa stroika do wydobycia dźwięku.)
- Instrumenty z podwójną trzciną wykorzystują dwie trzciny trzcinowe związane ze sobą na jednym końcu zamiast jednego stroika. Instrumenty takie jak obój i fagot umieszczają podwójny stroik bezpośrednio między ustami gracza, podczas gdy instrumenty takie jak crumhorn i dudy zakrywają podwójne stroiki.
Krok 3. Dmuchnij w mosiężny instrument z zamkniętymi ustami, aby za jego pomocą tworzyć muzykę
W przeciwieństwie do instrumentów dętych drewnianych, które polegają wyłącznie na kierowaniu strumienia powietrza, instrumenty dęte blaszane wibrują wraz z ustami gracza, aby wydobyć dźwięk. Chociaż instrumenty dęte blaszane są tak nazwane, ponieważ większość z nich jest wykonana z mosiądzu, są one pogrupowane według ich zdolności do zmiany brzmienia poprzez zmianę odległości, jaką musi pokonać strumień powietrza przed opuszczeniem. Odbywa się to za pomocą jednej z dwóch metod.
- Puzony wykorzystują suwak do zmiany odległości, jaką musi pokonać strumień powietrza. Wyciągnięcie suwaka wydłuża dystans, obniżenie tonu, wciśnięcie go skraca dystans, podniesienie tonu.
- Inne instrumenty dęte blaszane, takie jak trąbka i tuba, wykorzystują zestaw zaworów w kształcie tłoków lub kluczy, aby wydłużyć lub skrócić długość strumienia powietrza w instrumencie. Zawory te można naciskać pojedynczo lub w połączeniu, aby uzyskać pożądany dźwięk.
- Instrumenty dęte drewniane i blaszane są często zgrupowane razem jako instrumenty dęte, ponieważ oba muszą być wdmuchiwane, aby tworzyć muzykę.
Krok 4. Spraw, aby struny na instrumencie smyczkowym wibrowały, aby tworzyć z nim muzykę
Struny instrumentów smyczkowych można wprawiać w drgania na jeden z trzech sposobów: szarpanie (jak w gitarze), uderzanie (jak w przypadku cymbałów lub młotków z klawiszami w pianinie) lub przez piłowanie (jak w przypadku smyczka na skrzypcach lub wiolonczeli). Instrumenty strunowe mogą być używane do akompaniamentu rytmicznego lub melodycznego i można je podzielić na trzy kategorie:
- Lutnie to instrumenty smyczkowe z rezonującym korpusem i gryfem, takie jak skrzypce, gitary i banjo. Mają struny o jednakowej długości (poza niskim sznurkiem na pięciostrunowym banjo) i różnej grubości. Grubsze struny wytwarzają niski ton, podczas gdy cienkie struny wytwarzają wyższy ton. Struny mogą być ściskane w zaznaczonych punktach (progach), aby skutecznie je skrócić i podnieść ich wysokość.
- Harfy to instrumenty smyczkowe, których struny są oprawione w ramę. Harfy zazwyczaj mają struny o coraz krótszej długości ułożone pionowo, z dolnym końcem struny połączonej z korpusem rezonansowym lub płytą rezonansową.
- Cytry to instrumenty smyczkowe montowane na korpusie. Ich struny mogą być uderzane lub szarpane, jak w przypadku harfy automatycznej, lub uderzane bezpośrednio, jak w cymbałach młotkowych, lub pośrednio, jak w fortepianie.
Wideo - Korzystając z tej usługi, niektóre informacje mogą być udostępniane YouTube
Porady
- Skale durowe i naturalne molowe są ze sobą powiązane w taki sposób, że skala molowa tonacji o dwie nuty niższe niż skala durowa wyostrza lub spłaszcza te same nuty. Tak więc tonacje C-dur i a-moll, z których żadna nie używa krzyżyków ani bemoli, mają tę samą tonację.
- Niektóre instrumenty i kombinacje instrumentów są związane z pewnymi rodzajami muzyki. Na przykład kwartety smyczkowe złożone z dwojga skrzypiec, altówki i wiolonczeli są zwykle używane do grania muzyki klasycznej zwanej muzyką kameralną. Zespoły jazzowe zazwyczaj zawierały sekcję rytmiczną bębnów, pianin i ewentualnie kontrabasu lub tuby oraz sekcję rogów trąbek, puzonów, klarnetów i saksofonów. Granie niektórych utworów na innych instrumentach może być zabawne, jak to robi „Weird Al” Yankovic ze swoimi utworami rockowymi granymi na akordeonie w stylu polka.
